15 en 35 mm. KInecromía ( un homenaje al cine desde la pintura) es una muestra pictórica creada el año 2009, por el Artista Visual Chileno, Eduardo Elorz y se compone de 15 pinturas basadas en 15 films del cine clásico y contemporáneo, teniendo como hilo conductor la autodestrucción del ser humano a través de la historia.
Este proyecto, se compone de una exposición de 15 obras pictóricas, basadas en 15 obras de la cinematografía clásica y contemporánea. Esta muestra se denomina 15 en 35” Kinecromía, el nº 15 representa la cantidad de obras realizadas y el 35 hace alusión al formato de película más utilizado en la industria cinematográfica y en la fotografía. El concepto de Kinecromía, es una fusión compuesta de las palabras KINE , la cual proviene del griego KINÉ , que significa movimiento. La segunda palabra es cromia, que tiene su origen en La palabra cromático tiene varias semánticas entre ellas "color" y "espacio musical". Esta palabra viene del griego "Khromatikos" y "Khroma" que significa "color". Los griegos usaban la palabra "khroma" para referirse al color entre el blanco y el negro. El color es usado para distinguir objetos según la luz que refleja su superficie. Entonces "Khroma" también toma la semántica de "carácter" o "genero". La palabra cromático también es usada para referirse a los cristales que separan la luz blanca en un arco iris. Este proyecto se divide en dos fases; la primera está construida en base a una estructura racional, que contempla un periodo de recopilación, investigación, clasificación y análisis, acerca del paralelismo o similitud existente entre el cine y la pintura, a través de la historia. ( este material estará a disposición del público, durante todo el periodo de duración de la muestra.) La segunda fase se generó desde el proceso creativo, por lo tanto tiene un componente emocional- valórico muy personal. Esta etapa tubo como objetivo principal, interpretar, plasmar y de-codificar 15 películas hacia el lenguaje pictórico, incorporando elementos personales, iconografía local ( paisaje valdiviano) y tratamiento cromático.
Esta segunda fase, la más intensa en lo personal, posee su génesis en la participación activa del subconsciente, el cual constituyó un elemento preponderante en la selección definitiva de los Films. El hilo conductor o elemento en común en el caso de estos Films, es La destrucción del hombre por el hombre, o dicho de otra manera, la autodestrucción del ser humano en el transcurso de la historia
La pintura en el cine y el cine en la pintura y sus exponentes más representativos:
Los posibles elementos de la influencia del cine sobre diferentes manifestaciones plásticas, y en concreto sobre la pintura, son rastreables a partir del análisis comparado entre pintores y cineastas. Temas, tratamientos, estilos encuadres o maneras de iluminar han influido en distintos creadores a lo largo del siglo XX. Sin embargo, es una influencia que debe considerarse mutua, es decir, que se ha producido en las dos direcciones Este doble paralelismo es más evidente en pintores realistas preocupados por temáticas que el cine ha abordado específicamente. El gran director de fotografía hispano-cubano Néstor Almendros ha mencionado en sus memorias tituladas Días de una cámara (1990) la utilidad que tiene para su trabajo estudiar el manejo de la luz en pintores como Vermeer, La Tour, Rembrandt, Caravaggio, Manet o Gaugin. En cuanto a la influencia del cine en la pintura también existen evidencias significativas. José Luis Borau además de haber dado grandes películas al cine español como Furtivos (1975), ha desarrollado una interesante aportación teórica y didáctica en relación con el cine. Este cineasta aragonés ha analizado la influencia del cine en la pintura del siglo XX1, a la que ayudó en "su afán de reflejar el movimiento" y en "la búsqueda de nuevos encuadres". Para Borau son tres las características del cine "trasvasadas" a la pintura: "el manejo artificial de la luz, el encuadre y la posibilidad de reflejar el movimiento". Este cineasta y académico señala que desde que el cine dispuso de una gramática visual propia y renunció a expresarse únicamente en planos fijos y generales, "aprendió a descomponer la acción en imágenes parciales". "La cámara fragmenta la supuesta realidad, la disecciona". Lo que le lleva a afirmar que "el cine ha contribuido a reencuadrar la pintura moderna". Uno de los artistas que mejor ha reflejado el peso del cine en la pintura ha sido Francis Bacon, admirador de Eisenstein y Buñuel, que ha utilizado en el lienzo el plano-contraplano típico del cine y ha intentado reflejar el movimiento. Aunque, el máximo exponente del afán de la pintura por captar el movimiento, que sí se da en el cine, fue el movimiento futurista representado por las obras de artistas como Marinetti y Boccioni.
Para el cineasta aragonés, el cine "aparte de enriquecer con perspectivas y proporciones inéditas, así como con nuevos criterios luminosos, ha aproximado un poco más la pintura al movimiento, su eterna aspiración". Respecto al uso artificial de la luz, Borau explica que "buena parte de los artistas barrocos o románticos manipularon la luz", y construyeron "auténticas escenografías luminosas" como Rembrant, Turner o Caravaggio.
Este paralelismo es más evidente si se busca en pintores realistas preocupados por temáticas que el cine ha abordado. Es el caso del pintor estadounidense Edward Hopper (1882-1967) cuya visión de la América contemporánea reflejada en una cotidianidad urbana o rural donde los personajes representados hacen partícipes al espectador de sus estados de ánimo. Aunque es evidente que la influencia de la pintura sobre el cine también es una realidad. Esta cotidianidad presente en la obra de cineastas como Robert Altman en cuya filmografía la influencia estética de Hopper parece hacerse visible. Un ejemplo concreto puede ser el film Vidas cruzadas (Short Cuts), basado en varios relatos de Raymond Carver, donde la cotidianidad es el punto de partida para relatar cómo la vida de unas personas corrientes se entrecruza, compartiendo ilusiones y tragedias. La influencia de Hooper en el cine se ha mantenido hasta nuestros días y además sobre directores muy significativos, como es el caso de David Lynch, en films como Terciopelo azul (1986) Una historia verdadera (1999) y Mulholland Drive (2001)
Además podemos mencionar otros autores como el cineasta español VICTOR ERICE, PETER GREENAWAY Y EL DESTACADO CINEASTA CHILENO RAUL RUIZ.
Fundamentación de la conceptualización y decodificación al lenguaje pictórico: Para la construcción de un concepto base, inicialmente elaboré un listado de 100 películas, que de alguna manera, son de mi preferencias por motivos emocionales y técnicos. De los 100 , clasifiqué 50 por descarte, posteriormente llegué a 25 y la fase más compleja fue seleccionar los 15 films definitivos, que servirían de inspiración para interpretar, decodificar y plasmar 15 obras pictóricas. El proceso creativo, en este caso particular, tubo su génesis y desarrollo desde el subconsciente, puesto que los motivos aparentemente técnicos ( dirección de arte, fotografía, guionización, nivel actoral, musicalización, etc) definitivamente, no adquieren preponderancia al momento de dilucidar cual es el elemento en común o hilo conductor entre estos 15 films. Después de comenzar los bocetos iniciales, subyace de manera categórica y no menos sorpresiva, para mí, la idea de LA DESTRUCCION DEL HOMBRE POR EL HOMBRE, O LA AUTODESTRUCCION DEL SER HUMANO. Independiente de las líneas temáticas o géneros abordados en cada película, la idea permanece en forma recurrente, latente y categórica, en algunos casos, de planteado de manera literal o explícita y en otros, a través de metáforas o sub-textos.
15 EN 35” Los Films plasmados fueron; Blade runner ( 1982), Metrópolis ( 1927) y La naranja mecánica ( 1971) , estos tres Films plantean una metáfora distópica futurista, donde impera la automatización del ser humano. En Apocalipsis now ( 1979) y Pink Floyd, The Wall, el tema recurrente es la enajenación mental. Midnight cowboy ( 1969) , un bello y decadente poema visual, nos enfrentó a la alienación e indolencia del hombre moderno que reside en las grandes urbes, así como, las consecuencias del poder ,la corrupción y el anhelo de las cosas perdidas, graficado magistralmente en el Ciudadano Kane ( 1941) La violencia como una forma de vida, nos entregó Francis Ford Coppola en El Padrino ( 1972) y la cosificación del ser humano y la sobre-manipulación de los poderes fácticos en SALÓ de Pier Paolo Pasolini. Dentro del lenguaje onírico, están implícitos temas como el reverso de las cosas, la dualidad del bien y el mal y la autoaniquilación, temas formulados desde una mirada personalista y original en Twin Peaks, fire walk with me (1992) y el clásico expresionista El gabinete del Dr. Caligari ( 1920) En Luces de la ciudad ( 1933) , Chaplin nos presenta una sociedad discriminadora e injusta , así Como el máximo exponente del neorealismo italiano , Vitorio de sicca, con su obra El Ladrón de bicicletas ( 1948) , donde aborda temas como la desesperanza, el desempleo y la perdida de los sueños en periodo de post-guerra. El documentalista Patricio Guzmán , nos enrostra nuestro periodo más oscuro y conflictivo en La Batalla de Chile, donde los elementos recurrentes son la intolerancia y la toma al poder por medio de la fuerza. La pregunta de fondo que yo planteo es si efectivamente, estamos los chilenos preparados moral, cívica y políticamente maduros como para generar un dialogo en base a la tolerancia y el respeto por los demás? Hemos evolucionado en la asimilación de estos temas? ..yo creo que no… falta mucho por aceptar nuestros errores… Y la ultima película es STALKER ( 1979) Andrei Tarkovsky, una fantasía visual lúdica y poética, nos acerca a la búsqueda desesperada por alcanzar la felicidad, sin importar cual sean los medios para obtenerla…muy recurrente en los chilenos y chilenas que ven el lucro como único fin.
Hay grupos, pueblos, naciones, que han ido evolucionando en el transcurso de la historia, han desarrollado la capacidad de reírse de sus propios defectos o errores… nuevamente pienso que los chilenos estamos a mucha distancia de ello….
SUSTENTO TEORICO KINECROMIA
ResponderEliminarEste proyecto, se compone de una exposición de 15 obras pictóricas, basadas en 15 obras de la cinematografía clásica y contemporánea.
Esta muestra se denomina 15 en 35” Kinecromía, el nº 15 representa la cantidad de obras realizadas y el 35 hace alusión al formato de película más utilizado en la industria cinematográfica y en la fotografía. El concepto de Kinecromía, es una fusión compuesta de las palabras KINE , la cual proviene del griego KINÉ , que significa movimiento. La segunda palabra es cromia, que tiene su origen en La palabra cromático tiene varias semánticas entre ellas "color" y "espacio musical". Esta palabra viene del griego "Khromatikos" y "Khroma" que significa "color". Los griegos usaban la palabra "khroma" para referirse al color entre el blanco y el negro. El color es usado para distinguir objetos según la luz que refleja su superficie. Entonces "Khroma" también toma la semántica de "carácter" o "genero". La palabra cromático también es usada para referirse a los cristales que separan la luz blanca en un arco iris.
Este proyecto se divide en dos fases;
la primera está construida en base a una estructura racional, que contempla un periodo de recopilación, investigación, clasificación y análisis, acerca del paralelismo o similitud existente entre el cine y la pintura, a través de la historia. ( este material estará a disposición del público, durante todo el periodo de duración de la muestra.)
La segunda fase se generó desde el proceso creativo, por lo tanto tiene un componente emocional- valórico muy personal. Esta etapa tubo como objetivo principal, interpretar, plasmar y de-codificar 15 películas hacia el lenguaje pictórico, incorporando elementos personales, iconografía local ( paisaje valdiviano) y tratamiento cromático.
Esta segunda fase, la más intensa en lo personal, posee su génesis en la participación activa del subconsciente, el cual constituyó un elemento preponderante en la selección definitiva de los Films.
El hilo conductor o elemento en común en el caso de estos Films, es La destrucción del hombre por el hombre, o dicho de otra manera, la autodestrucción del ser humano en el transcurso de la historia
La pintura en el cine y el cine en la pintura
ResponderEliminary sus exponentes más representativos:
Los posibles elementos de la influencia del cine sobre diferentes manifestaciones plásticas, y en concreto sobre la pintura, son rastreables a partir del análisis comparado entre pintores y cineastas. Temas, tratamientos, estilos encuadres o maneras de iluminar han influido en distintos creadores a lo largo del siglo XX. Sin embargo, es una influencia que debe considerarse mutua, es decir, que se ha producido en las dos direcciones
Este doble paralelismo es más evidente en pintores realistas preocupados por temáticas que el cine ha abordado específicamente. El gran director de fotografía hispano-cubano Néstor Almendros ha mencionado en sus memorias tituladas Días de una cámara (1990) la utilidad que tiene para su trabajo estudiar el manejo de la luz en pintores como Vermeer, La Tour, Rembrandt, Caravaggio, Manet o Gaugin.
En cuanto a la influencia del cine en la pintura también existen evidencias significativas. José Luis Borau además de haber dado grandes películas al cine español como Furtivos (1975), ha desarrollado una interesante aportación teórica y didáctica en relación con el cine. Este cineasta aragonés ha analizado la influencia del cine en la pintura del siglo XX1, a la que ayudó en "su afán de reflejar el movimiento" y en "la búsqueda de nuevos encuadres".
Para Borau son tres las características del cine "trasvasadas" a la pintura: "el manejo artificial de la luz, el encuadre y la posibilidad de reflejar el movimiento". Este cineasta y académico señala que desde que el cine dispuso de una gramática visual propia y renunció a expresarse únicamente en planos fijos y generales, "aprendió a descomponer la acción en imágenes parciales". "La cámara fragmenta la supuesta realidad, la disecciona". Lo que le lleva a afirmar que "el cine ha contribuido a reencuadrar la pintura moderna". Uno de los artistas que mejor ha reflejado el peso del cine en la pintura ha sido Francis Bacon, admirador de Eisenstein y Buñuel, que ha utilizado en el lienzo el plano-contraplano típico del cine y ha intentado reflejar el movimiento. Aunque, el máximo exponente del afán de la pintura por captar el movimiento, que sí se da en el cine, fue el movimiento futurista representado por las obras de artistas como Marinetti y Boccioni.
Para el cineasta aragonés, el cine "aparte de enriquecer con perspectivas y proporciones inéditas, así como con nuevos criterios luminosos, ha aproximado un poco más la pintura al movimiento, su eterna aspiración". Respecto al uso artificial de la luz, Borau explica que "buena parte de los artistas barrocos o románticos manipularon la luz", y construyeron "auténticas escenografías luminosas" como Rembrant, Turner o Caravaggio.
ResponderEliminarEste paralelismo es más evidente si se busca en pintores realistas preocupados por temáticas que el cine ha abordado. Es el caso del pintor estadounidense Edward Hopper (1882-1967) cuya visión de la América contemporánea reflejada en una cotidianidad urbana o rural donde los personajes representados hacen partícipes al espectador de sus estados de ánimo. Aunque es evidente que la influencia de la pintura sobre el cine también es una realidad. Esta cotidianidad presente en la obra de cineastas como Robert Altman en cuya filmografía la influencia estética de Hopper parece hacerse visible. Un ejemplo concreto puede ser el film Vidas cruzadas (Short Cuts), basado en varios relatos de Raymond Carver, donde la cotidianidad es el punto de partida para relatar cómo la vida de unas personas corrientes se entrecruza, compartiendo ilusiones y tragedias. La influencia de Hooper en el cine se ha mantenido hasta nuestros días y además sobre directores muy significativos, como es el caso de David Lynch, en films como Terciopelo azul (1986) Una historia verdadera (1999) y Mulholland Drive (2001)
Además podemos mencionar otros autores como el cineasta español VICTOR ERICE, PETER GREENAWAY Y EL DESTACADO CINEASTA CHILENO RAUL RUIZ.
Fundamentación de la conceptualización y decodificación al lenguaje pictórico:
ResponderEliminarPara la construcción de un concepto base, inicialmente elaboré un listado de 100 películas, que de alguna manera, son de mi preferencias por motivos emocionales y técnicos. De los 100 , clasifiqué 50 por descarte, posteriormente llegué a 25 y la fase más compleja fue seleccionar los 15 films definitivos, que servirían de inspiración para interpretar, decodificar y plasmar 15 obras pictóricas. El proceso creativo, en este caso particular, tubo su génesis y desarrollo desde el subconsciente, puesto que los motivos aparentemente técnicos ( dirección de arte, fotografía, guionización, nivel actoral, musicalización, etc) definitivamente, no adquieren preponderancia al momento de dilucidar cual es el elemento en común o hilo conductor entre estos 15 films. Después de comenzar los bocetos iniciales, subyace de manera categórica y no menos sorpresiva, para mí, la idea de LA DESTRUCCION DEL HOMBRE POR EL HOMBRE, O LA AUTODESTRUCCION DEL SER HUMANO. Independiente de las líneas temáticas o géneros abordados en cada película, la idea permanece en forma recurrente, latente y categórica, en algunos casos, de planteado de manera literal o explícita y en otros, a través de metáforas o sub-textos.
15 EN 35”
ResponderEliminarLos Films plasmados fueron; Blade runner ( 1982), Metrópolis ( 1927) y La naranja mecánica ( 1971) , estos tres Films plantean una metáfora distópica futurista, donde impera la automatización del ser humano. En Apocalipsis now ( 1979) y Pink Floyd, The Wall, el tema recurrente es la enajenación mental.
Midnight cowboy ( 1969) , un bello y decadente poema visual, nos enfrentó a la alienación e indolencia del hombre moderno que reside en las grandes urbes, así como, las consecuencias del poder ,la corrupción y el anhelo de las cosas perdidas, graficado magistralmente en el Ciudadano Kane ( 1941)
La violencia como una forma de vida, nos entregó Francis Ford Coppola en El Padrino ( 1972) y la cosificación del ser humano y la sobre-manipulación de los poderes fácticos en SALÓ de Pier Paolo Pasolini.
Dentro del lenguaje onírico, están implícitos temas como el reverso de las cosas, la dualidad del bien y el mal y la autoaniquilación, temas formulados desde una mirada personalista y original en Twin Peaks, fire walk with me (1992) y el clásico expresionista El gabinete del Dr. Caligari ( 1920)
En Luces de la ciudad ( 1933) , Chaplin nos presenta una sociedad discriminadora e injusta , así Como el máximo exponente del neorealismo italiano , Vitorio de sicca, con su obra El Ladrón de bicicletas ( 1948) , donde aborda temas como la desesperanza, el desempleo y la perdida de los sueños en periodo de post-guerra.
El documentalista Patricio Guzmán , nos enrostra nuestro periodo más oscuro y conflictivo en La Batalla de Chile, donde los elementos recurrentes son la intolerancia y la toma al poder por medio de la fuerza. La pregunta de fondo que yo planteo es si efectivamente, estamos los chilenos preparados moral, cívica y políticamente maduros como para generar un dialogo en base a la tolerancia y el respeto por los demás? Hemos evolucionado en la asimilación de estos temas? ..yo creo que no… falta mucho por aceptar nuestros errores…
Y la ultima película es STALKER ( 1979) Andrei Tarkovsky, una fantasía visual lúdica y poética, nos acerca a la búsqueda desesperada por alcanzar la felicidad, sin importar cual sean los medios para obtenerla…muy recurrente en los chilenos y chilenas que ven el lucro como único fin.
Hay grupos, pueblos, naciones, que han ido evolucionando en el transcurso de la historia, han desarrollado la capacidad de reírse de sus propios defectos o errores… nuevamente pienso que los chilenos estamos a mucha distancia de ello….